El Farolito

Dibujar un edificio es diferente al dibujar una persona. ¿Por qué? Mi respuesta tal vez es verde aún. The building has to look rigid, built. It’s not going anywhere, thus the character of the lines can be as smooth as possible. And more, the proportions of a building’s components are familiar enough that they feel symmetrical even when they’re not. En cambio, la figura humana es más dinámica, cada gesto y apariencia requeriendo un diferente trazo del lápiz. Y aún cuando hablamos de una persona tan complicada como Agustín Lara. Romántico y tierno en sus canciones, engañador en su vida, Agustín Lara no se puede definir por una línea simple. Los trazos son más ambiguos. Y claro, su porte (y más afuera de la casa de María Félix) es de un player con una sonrisita y sus manos en el bolsillo. 

Ry Cooder's LA

Ry Cooder’s story set in Los Angeles carried tremendous imagery. The narrator of the story goes from place to place on the long-lost Red Car of LA, which must have travelled at the same speeds as the trolleys in San Francisco, (so not very fast). Yet I imagine that for the die-hard, pompous narrator, they were like the LA freeways of today. The link between red cars and freeways brought to mind the experience of being in Los Angeles. Experiencing the city is another way of saying, “driving,” and in every single one of these drives, you feel that distances don’t matter. It’s the traffic and the speed, with everything about LA from the shabby colors, the flat buildings, and the dirty atmosphere (i.e. everything that makes it the best damn place) is in constant motion. I thought, “what would it be like to move through LA in a fast but not-so-fast speed, not having to worry about hitting other cars or pedestrians?” You’d see the colors move into one another even if the lines of the buildings do in fact register. And you’d be smiling the whole ride.

Cenote

Cenotes are some of the few sources of fresh water in the Yucatán peninsula, a fact that explains their sacredness to the Mayans. As such, it is a symbolic source of life that I wanted to demonstrate in this piece. This semester saw me grow in a way embodied by the phrase, “let it go.” For long, I held on to identities that ironically led to struggle, so letting go was indirectly a source of rejuvenation. This feeling was present in the week of the Cenote theme – strong enough to brightly color my imagination a few weeks after the original drawing was stolen. The image is exactly as I remember it (which does not mean that it’s an exact replica) except for the silhouette of the man who has finally begun to let go. His outline is more pronounced and the colors and brushstrokes are more varied. I wished to give the man more contrast in relation to the surrounding scene, a field of energy that I picture when I see the bright blues and greens of a cenote. The green strokes needed to be fluid in order to capture energy moving through water.

La Malinche

La Malinche tiene la fama de ser traidora, madre, y víctima al mismo tiempo. Esto depende en la perspectiva, y personalmente, yo no entiendo la importancia en identificarme con solo uno. Si la se entiende como una madre de México, ella nutre; si es traidora, a la misma vez es fría y malvada; y si es víctima, pues solo llama a la antención la inevitable derrota de los indígenas. Pero, ¿cómo puedo yo asumir una posición, y más cuando yo mismo me he encontrado en la posición de sentir que soy ni de aquí ni de allá? No sé juzgarla, así que decidí darle una expression de tristeza, cosa que de seguro sintió muchas veces cuando fue amante de Cortés. Recordaremos que como una mujer de importancia histórica, se pone a junto de La Llorona, otra figura que tiene un entendimiento mixto entre los mexicanos. En este obra quise enforcarme en tres cosas: los ojos y los labios. A los ojos, les resalté sus lágrimas, y a los labios, el ceño fruncido. Tal vez la represento más como una victima, pero fue una humana de verdad, no solamente parte de una leyenda que busca explicar el origen de México.

Esta obra tal vez sea la que más difícil para describir. 

La obra original tenía el mismo hombre recargado contra una pared, a punto de rajarse. La diferencia entre la original y la he puesto en el blog está en el color de atrás. La vieja version tenía una multitud de colores – lléndose de gris (el color de la figura central) al azul, y luego al verde, amarillo, naranja, y al último, el rojo. Esta gradación subraya el aislamiento que yo sentía en este tiempo. Por todos lados, parecía que lo demás era más brillante, más alegre y aun más fuera de mi entorno. 

En repliar esta obra, me pregunté, ¿por qué darle homenaje a ese sentimiento? ¿Por qué hacer otra vez la misma obra cuando no me siento igual? Pero igual fue importante que reconociera ese momento, no para dar elogios, ni para pretender ni esconder. Esta iteración muestra tres aros amarillos en la distancia. (El amarillo, junto al azul y el verde, trae alivio y tranquilidad.) Así que pa’ fuera el rojo y pa’ fuera el naranja. Pero lo más importante es que la tranquilidad del amarillo es el que siento yo ahora. Es como si mis sentimientos de hoy quieren que el Martín Fernando de hace unos meses le hagan caso.